¡Hola!
Para la creación del fanzine he querido trabajar el concepto del machismo desde la crítica de todo ese machismo que muchas personas no ven (o no quieren ver) porque no tiene represalias físicas.

Aún a día de hoy, cuando hablamos de machismo la gente tiene en la mente la violencia de género física y los feminicidios, sin embargo, se dejan de lado muchos otros conceptos que también generan heridas.
He querido trabajar esos conceptos en este árbol de contenido:

Cuando tuve varias ideas claras de lo que quería hacer en el fanzine me puse manos a la obra. Quiero trabajar con cosas algo grotescas y punk, jugando con proporciones y con contrastes altos entre fotografía collage y tinta.

Para este trabajo quiero experimentar con varios papeles dotándoles de significante según su ubicación.

Para la portada, quiero utilizar el segundo papel, el amarillo anaranjado, representando el cálido del fuego y además, un tono anaranjado como si fuera una alerta de lo que está por venir.
Para la segunda página he escogido un papel blanco (como los dientes de la sonrisa) y que a su vez es rugoso, por la situación de incomodidad que sentimos las mujeres cuando nos fuerzan a sonreír «porque te hace más femenina», «porque sino eres una borde» entre otras.

También hice varias pruebas de cómo podía trabajar la tipografía de la portada y un poco el estilo que quiero utilizar si escribo en las páginas.
Me gusta la rudeza que dan los pinceles y las plumas al escribir, que no dejan bordes tan perfectos como los rotuladores:

Para las página 3 quiero utilizar el papel ligeramente groguenco, porque es de un gramaje de 300g y me gustaría coser en el papel, con este boceto me gustaría representar la mutilación genital femenina y las cicatrices que deja no solo en los genitales, si no en toda la persona.

Para la página 4 me gustaría utilizar el propio papel del DIN-A3, en este dibujo busco representar los diferentes cuerpos de mujer y cómo todos ellos siguen siendo juzgados por el machismo sin importar ni la etnia, ni si eres normativa, si eres muy femenina o muy masculina…

Para la siguiente página quiero utilizar el mismo papel, para que se relacione que al final el concepto de «No ser suficiente» o «No hacer lo suficiente» no cambia por ser un tipo de mujer u otra, ni por hacer todo lo que puedas.
Para aquellas personas que sean machistas nunca será suficiente.

Para la siguiente página quiero utilizar el papel tipo craft, que para mi es un papel desechable, marronesco, para bocetos, para ideas, casi que para cosas sin mucha importancia, por eso he querido plantear la dualidad a la que muchas mujeres se tienen que enfrentar, escoger entre tu carrera profesional y tu maternidad.
Decidí escoger este papel porque era un tema complicado y aún así la gente tiende a tomarlo a la ligera, cuando al final, es algo muy relevante para muchas personas.
De nuevo  quise utilizar collage para añadir color y esa diferenciación.

Para la última página, quise añadir un colectivo que incluso algunas mujeres suelen desprestigiar, que es el colectivo trans.
Mujeres que sufren el mismo machismo, e incluso discriminación transfoba, que se enfrentan a otro tipo de retos y que, aún así, muchas veces pasan desapercibidas, invisibilizadas. Por eso he escogido un papel lleno de trama, para que sea difícil verla, porque se las intenta ocultar.

Para la contraportada escogí una imagen mucho más amable, porque del burn out de las mujeres nació la unión, el feminismo, la reivindicación.
Por eso he escogido coronar la contraportada con el tono azul violáceo pastel del feminismo que, a su vez, es el complementario del amarillo anaranjado de la portada.

Tengo pensado utilizar tinta, gouache, calibrados y lápices para los renders finales.
La verdad es que he sentido que 8 páginas se me quedaban cortas con todo lo que podríamos contar.

¡Gracias!

Para iniciar esta entrega parcial voy a mostraros las fotografías del espacio, el objeto y la persona:

Comentar que mi piso es algo peculiar, la pared que da al exterior es completamente diagonal y tengo más de un techo falso, lo cual hace que me resulte agradable la cantidad de líneas que parecen no ir a ninguna parte. Eso sí, ha resultado más complicado no dejarme engañar por donde estaba el techo de verdad y el de mentira. Aún recuerdo cuando tuve que colocar los store y fue un suplicio meter ahí el taladro.

Para las perspectivas, he querido trabajar en los bocetos las técnicas del ejercicio, es decir, utilizando tanto mano alzada como las reglas.
Ha sido divertido estudiar mi propia casa, darme cuenta de lo que cada cosa ocupa en el espacio (e incluso plantearme si debería mover alguna cosa), creo que lo que más me ha costado plasmar es la persona en una perspectiva de un punto de fuga, no sé si debería arriesgarme más y jugar a deformar la estancia en vez de quedarme en algo cómodo….

Por otro lado, con diferencia lo más complicado ha sido dibujar la habitación completamente a mano alzada, por mucho que intentaba llegar al punto de fuga se me acababa yendo la mano, pero ha sido gratificante ver que a medida que iba tirando líneas éstas se parecían más a lo que buscaba.

Aquí dejo los bocetos:

¡Gracias!

Para esta Flash escogí este interior, porque me pareció muy interesante como la perspectiva se introducía en la habitación, casi incitando a los espectadores a entrar con ella. Además las formas variaban entre materiales flexibles y otros rígidos, pero que parecían tener la misma dureza en la fotografía. Para trabajar el ejercicio uní un folio al DIN-A4 en el que había impreso la imagen para poder alargar las líneas de perspectiva, que se salían del plano de la cámara.

Para el segundo estudio escogí este frame de la película de «Matrix», de 1999, me gusta mucho esta escena porque juegan con la perspectiva y la deformidad que provoca la cámara para cargar de dinamismo el movimiento y de tensión la situación.
Además, podemos ver como ubican a la protagonista entre los dos puntos de fuga, con la idea de darle un mayor peso a la figura.
También me gusta mucho este frame, porque la perspectiva se ve distorsionada a medida que te alejas de la protagonista, siendo un refuerzo narrativo en la trama de como «Matrix» se deforma.

Por último, la fotografía de mi ventana, en la que he intentado dibujar las líneas de perspectiva. He de decir que no he disfrutado mucho de este ejercicio, llevo gafas porque soy miope y tener que enfocar tanto la vista entre cercanía y lejanía ha sido realmente agotador. También he tenido dificultades a la hora de hacer la fotografía por la ligera deformación que genera la cámara. Aquí el resultado:

Quiero abrir esta entrada con una frase de Charlie Parker:

«La música es tu propia experiencia, tus propios pensamientos, tu sabiduría. Si no la vives no va a salir de tu cuerno. Te dicen que hay una línea limitadora para la música. Pero no hay fronteras para el arte.»

Y es que hacer este ejercicio ha sido entre difícil y sanador, comencé por la canción de «Games without frontiers» de Peter Gabriel, quise entender bien la letra y el videoclip, busqué las similitudes que pensé que el autor estaba escondiendo en ella. De ahí extraje este diagrama de conceptos:

Me gustaba mucho el paralelismo que hacía entre la guerra y los juegos olímpicos y, quise interpretar, la idea era hacer un llamamiento para dejar de disputar las cosas con violencia y muerte, para debatirlas con práctica, talento y esfuerzo.
Hice un paralelismo entre los soldados y los atletas, el cómo ambos podían representar a su nación y luchar por una victoria, con la diferente de que uno cobra vidas y el otro medallas.
De ahí mi dibujo, la idea de una luchadora que deja atrás la guerra, rompiendo su uniforme para luchar representando a su país en las olimpiadas. El fondo también cambia, mimetizando una valla de madera con el palo donde se hace gimnasia artística. He buscado una postura que, a su vez, mostrara la libertad de dejar la guerra atrás.

Luego, ya con el alma sensible por el tema, me puse a pensar en el concepto de frontera, además de mirar los recursos que nos dieron quise dedicar un rato a pensar qué eran para mi las fronteras, ¿las he vivido? ¿conozco a alguien que se haya encontrado con ellas? Hice una lluvia de conceptos varios, que plasmé en este diagrama.

Quise trabajar las fronteras de la pobreza, esos límites tanto intangibles como tangibles, cosas claras como vidas marcadas por los recursos que tienen los niños. Vivimos en la cultura del esfuerzo, donde nos dicen que podemos llegar a cualquier lugar si nos esforzamos lo suficiente, pero la realidad es que hay fronteras que solo se levantan para las personas menos favorecidas. De ahí mi ilustración, dos niños, dos realidades muy diferentes, uno con un terreno preparado, lleno de cosas básicas como naturaleza, juguetes, libros, comida… Otra agradeciendo a Dios porque, no sabe de donde, pero le cae algo de comida para llevarse a la boca.

Mi idea para este collage es jugar con fotografía para hacer la zona del niño (Que ocupa casi toda la hoja) con fotografía y color (sin exceder el 50%), la de la niña con ilustración, blancos negros y como único color el bocadillo.

A veces pienso qué sería de los humanos si no tuviéramos las fronteras, ¿nos consideraríamos humanos? O tal vez, solo tal vez, podríamos llamarnos sencillamente personas, o incluso Arte.

Para este Flash he querido explorar los diferentes significados de «límite», por ello traigo varias representaciones.

La primera que trabajé fue esta, con rotulador de punta fina, regla y gouache muy aguado:

Este es el resultado tras su escaneo, quería experimentar con los límites y sus marcadas barreras, que casi no te dejan cruzarlas, utilizando colores que recordaran a las señales de tráfico para reforzar el concepto.

Para la segunda, quise explorar los límites y cómo cambian según su perspectiva (por ejemplo, límites aplicados a los géneros y como se modifican según los susodichos).

Para este utilicé rotulador de punta fina y acuarela, junto con cinta de carrocero para, irónicamente, no salirme de los límites.

Para la tercera quise explorar el concepto de los límites en el arte, y de cómo podían aparecer nuevos conceptos si los apartábamos y buscábamos más allá de la superfície.

En este caso quise rellenar la letra con negro para que se notara el volumen de esos límites, que al abrirse sueltan tinta dorada mostrando su potencial cuando los cruzas.

Para la cuarta entrega quise explorar los límites de la legibilidad, utilizando stamps de letras hice varias marcas y luego jugué con rellenar la primera, para darle mayor importancia.
No recargué el stamp, permitiendo que se desgastara la tinta en cada sellado.

No quise limitarme con la experimentación y probé varias técnicas, la verdad es que ha sido francamente divertido, tanto pensar en el concepto y en cómo lo podía representar de múltiples maneras como la utilización de cosas tan variadas como tinta, sellos, pintura metalizada etc.

Para la última,  quise salirme un poco de lo convencional y hablar de los límites personales, esos que marcas con las personas que quieres con tal de estar mejor.
Por ello, muestro unas manos atadas por estos límites, siendo un hilo delgado porque es fácil sobrepasarlos y romperlos, ligado todo entre sí, porque al final es una clara demostración de cariño, respeto y confianza poder marcar esos límites y mantenerlos.

En mi opinión, cualquier podría ser una buena representación de lo que es «Límite», todo varía según en qué significante estés pensando.
Personalmente, creo que los límites más importantes son los personales, así que me quedo con la última representación.

¿Qué te ha parecido? Me encantaría escuchar tu opinión sobre mi trabajo y saber si a los significantes que planteo les darías otra vuelta de tuerca!
¡Muchas gracias por leerme!

No hay nada como tener una excusa para parar un momento y dedicarte solo a mirar.

Tras pasarme un tranquilo rato observando a todos los artistas que nos propuso Cristina, tenía claro que quería quedarme con Ramón Casas i Carbó y es que, quién no ha visto sus icónicas ilustraciones en las publicidades para Codorniu o el conocido cartel de la Copa Tibidabo.

Entre sus muchos dibujos me decidí por este:

Me llamó mucho la utilización del espacio negativo para crear el plumón de la mujer, junto con las marcadas formas provocadas por los altos contraste del carboncillo, la soltura del trazo en las zonas de menor interés y la precisión de las líneas en las que más, como la mirada.
Consideré que podía ser todo un reto y un gozo probar, y la verdad es que me lo estoy pasando pipa.

Por otra parte, para el objeto seleccioné un pequeño altavoz que tengo en el escrito donde dibujo. Me gustó mucho el juego geométrico que tiene el pequeño entre el octágono y las circunferencias, además de una atractiva perspectiva con su profundidad. También me pareció que sería divertido intentar dibujar los reflejos que tiene, casi probando a retratar la mirada de la autora. Os dejo aquí unos bocetos del mismo.

Para el paisaje urbano aproveché que salí con mi perro Haru para disfrutar de un parque que hay en Sabadell donde podemos encontrar «La Torre de l’aigua», un edificio que, personalmente, me encanta. Construida por Lluís Homs en 1918 abasteció de agua a toda la ciudad durante décadas, con una arquitectura modernista que juega con las perspectivas para cambiar según desde donde la mires.

Me sentí muy bien sentada en el césped junto con una mantita para no pasar frío, que comienza a refrescar, para comenzar a bocetar primero marqué los puntos de mayor interés en el papel, partiendo de la línea del horizonte y, por supuesto, de la torre.

Otro de los motivos por los que escogí este paisaje urbano es por el juego visual del propio parque, todo lo que es orgánico y natural goza de unas líneas curbas y delicadas, mientras que todo lo urbano y tecnológico se basa en formas rectas y toscas, generando un contraste muy atractivo.

Además, se puede encontrar un montón de árboles y arbustos diversos, muy chulos en esta época del año porque empiezan a cambiar el color de sus hojas de vivos verdes a otoñales marrones y violetas.

Os dejo por aquí unas fotos del sitio y los bocetos en los que estoy basando mi trabajo a línea y mancha.

Estoy experimentando mucho con el trazo suelto, el buscar las formas dentro de los contrastes, identificar donde quiero poner el punto de interés y jugar con la perspectiva, intentando marcar las masas de sombras con la idea de entender cómo es la realidad y por qué se ve como se ve.